國片是什麼？深度解析台灣電影的定義、變遷與核心精神

「欸，你說這部電影是國片嗎？明明演員有外國人，場景也有在國外拍的耶！」

相信很多人都曾像小陳一樣，對「國片」的定義感到有些模糊，甚至在跟朋友討論時，會因為對一部電影的歸屬意見不合而爭論不休。說真的，這個問題看似簡單，但要給出一個精確又全面的答案，可真是個大學問呢！

那麼，國片到底是什麼呢？

簡單來說，國片不只是「在台灣這塊土地上拍攝的電影」那麼膚淺，它更是一種承載著台灣獨特文化、歷史記憶、社會議題與情感脈絡的視覺藝術形式。它的定義錯綜複雜，絕非單一面向就能概括，而是涵蓋了製作團隊的國籍、資金的主要來源、故事的核心精神、所使用的語言，以及最終能否喚起台灣觀眾的文化認同感等多重維度。它是一面鏡子，映照出台灣社會的真實樣貌；它也是一個故事，娓娓道來這片土地上人們的生活點滴與愛恨情仇。

這篇文章呢，就是要帶大家一起深入探索「國片」這個詞背後的深層意義，從歷史演變、產業結構，到文化認同，通通不藏私地跟大家聊個透徹。準備好了嗎？我們就從最基本的定義開始，一步步揭開國片的神秘面紗吧！

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國片的定義：不只地理，更是文化與精神的投射

提到國片，我們腦海裡第一個浮現的，可能就是「台灣製造」這四個字。但，真的就這麼簡單嗎？如果一部電影在台灣取景，但導演是外國人，資金也來自海外，那它還算國片嗎？又或者，一部由台灣導演執導，講述台灣故事，卻大部分在中國大陸拍攝、演員也多是大陸明星的電影，我們該怎麼稱呼它呢？這些問題，其實都指向了國片定義上的「狹義」與「廣義」之爭。

狹義的國片定義：從「實體條件」看起

在最嚴謹、最實際的層面上，政府機構（例如文化部影視及流行音樂產業局）為了政策補助、獎勵金申請，以及統計數據的需要，往往會對「國片」設定一些明確的實體條件。這些條件通常包括：

主要製作公司登記地： 電影的製作公司，特別是主要的出品方，必須在台灣合法登記設立。這是最基本也是最核心的判斷標準，關係到法律歸屬和稅務規範。
主要資金來源： 電影的製作預算，有相當大比例（通常會設定一個門檻，例如超過50%）來自台灣本土的資金，無論是政府補助、私人投資者或是台灣企業的投入。這確保了台灣在影片中的話語權和主導性。
主創團隊國籍或居留權： 導演、編劇、攝影指導、主要演員等核心創作及技術人員，必須具備中華民國國籍或在台灣長期居留並工作。這個比例也常被視為判斷電影是否具有「台灣血統」的重要依據。
主要語言： 電影中使用的主要對白語言，雖然不限於單一語種，但至少應包含一定的比例的台灣常用語言，例如華語（台灣腔）、台語、客語、原住民族語等。當然，這並不代表使用英文或其他語言的電影就一定不是國片，但本土語言的份量，確實是強化「國片感」的一個要素。

說真的，這種狹義的定義比較像是一種「身分證」，確保了電影在行政和法律上的台灣屬性。它對於產業政策的制定和資源的分配，其實是蠻重要的啦。

廣義的國片定義：深入「文化認同」與「精神內涵」

然而，我們一般老百姓在看電影、討論電影的時候，對「國片」的感受往往更為寬鬆，更在乎的是一種文化上的連結與情感上的共鳴。這就是廣義的國片定義，它更看重的是：

內容主題與故事背景： 電影所講述的故事是否根植於台灣的土地、歷史、社會議題或人文風情？例如，描寫日治時期台灣人奮鬥的《賽德克‧巴萊》，或是刻畫台灣家庭關係的《孤味》，即便有國際資金或部分外籍團隊參與，我們仍會毫不猶豫地將其視為國片。
敘事觀點與文化語境： 影片是否以台灣人的視角來詮釋故事，傳達出屬於台灣特有的價值觀、幽默感或處世哲學？即使沒有明顯的台灣地標，只要那份「台灣味」在骨子裡，觀眾自然就能感受得到。
情感連結與集體記憶： 電影是否能夠觸動台灣觀眾的共同情感，喚起他們對這片土地、這些人群的歸屬感和認同感？一部電影能讓台灣人看完後，會心一笑說：「對啦！我們就是這樣啦！」那它肯定就是國片無誤。

不瞞您說，廣義的國片定義其實更符合我們對「文化產品」的期待。它超越了地理與國籍的限制，直抵文化的核心。有時候一部片，雖然主創團隊可能多元，但只要故事跟情感是屬於台灣的，觀眾就會買單，會覺得這就是「我們的」電影。

綜合來看，國片的定義其實是一個光譜，從嚴格的實體規範到更具彈性的文化認同。在評斷一部電影是否為國片時，我們往往會同時考量這兩方面的因素。而且，這個定義也不是一成不變的，它會隨著時代的演進、產業的發展、國際合作的頻繁而持續調整和豐富。

台灣電影的歷史脈絡：國片身份的變遷之路

國片的定義之所以這麼豐富多變，很大一部分原因就在於台灣電影本身就走過了一段蜿蜒曲折、高潮迭起的歷史。從早期實驗性的嘗試，到藝術成就的巔峰，再到市場的考驗與復興，每一次轉變都讓「國片」這個概念被重新擦亮，賦予了新的意義。

草創與奠基時期 (1950s-1970s)：台語片的黃金年代與健康寫實

說到台灣電影的萌芽，那可得回溯到戰後。那個年代，台灣的電影產業剛起步，資源有限，但熱情卻是滿滿的。最早期，台語片可是紅遍大街小巷呢！

台語片風華： 1950年代中期到1960年代末，台語片迎來了它的黃金時代。這時期的電影多半是迎合大眾口味的娛樂片，像是武俠、歌仔戲、愛情文藝片，內容充滿庶民氣息，反映了當時社會的生活百態。儘管製作成本不高，技術也相對簡陋，但它們因為「講咱的話、演咱的故事」，而深受普羅大眾的喜愛。這時候，台語片就是最能代表「國片」的典型，因為它直接連結了本土語言與文化。
健康寫實路線： 與台語片並行的，還有以國語發音的「健康寫實」電影。在政府主導下，這類影片強調社會教化功能，多描寫農村的純樸生活、家庭倫理、奮鬥向上等主題，旨在提倡正向價值。李行導演的《蚵女》就是一個經典例子。這種電影雖然帶有官方色彩，但其對台灣社會面貌的捕捉，也奠定了國片寫實主義的基石。

這個時期，國片的樣貌相對單純，主要分為台語的庶民娛樂和國語的教化寫實，都還算蠻好辨認的。

台灣新電影浪潮 (1980s)：確立藝術地位，國際能見度大增

如果說台灣電影歷史上有哪一段最「閃耀」，那絕對非1980年代的「台灣新電影」莫屬了。這是一場劃時代的改革，徹底改變了國片在國內外的地位和形象。

藝術性與寫實性： 侯孝賢、楊德昌、李安（早期作品）、蔡明亮等一批新銳導演，他們不再追求商業娛樂，而是將鏡頭對準了台灣社會轉型期的陣痛、個人在時代洪流中的迷惘，以及家庭關係的疏離。他們的電影充滿了濃厚的作者意識，敘事手法創新，風格寫實內斂。像是侯孝賢的《悲情城市》、楊德昌的《牯嶺街少年殺人事件》，都以深沉的歷史觀照和人性探索，震撼了世界影壇。
國際影展常客： 台灣新電影的藝術成就，讓國片開始在坎城、威尼斯、柏林等國際影展上大放異彩，贏得了無數獎項和讚譽。這使得「國片」不再只是台灣人自嗨的產物，而是成為了世界電影版圖中一股不容忽視的力量。這時期的國片，定義上更偏向於「具有藝術性、反映台灣社會深層問題的電影」。

新電影浪潮不僅提升了國片的藝術水準，也讓「國片」這個名詞帶有了更深沉的文化底蘊和國際視野。

後新電影時代與新世紀復興 (1990s-至今)：多元發展與類型片崛起

新電影的榮光之後，1990年代台灣電影一度陷入低潮，市場萎縮，票房慘淡。但進入21世紀後，國片又再次找到了自己的春天，而且是呈現出百花齊放的多元面貌。

類型片多元化： 早期國片多以文藝片或寫實片為主，但新世紀以來，商業類型片大放異彩。從魏德聖的《海角七號》掀起國片熱潮，到《艋舺》的黑幫題材、《那些年，我們一起追的女孩》的青春愛情、《紅衣小女孩》的恐怖驚悚，以及《我的少女時代》、《當男人戀愛時》等愛情喜劇，國片開始嘗試各種不同的商業類型，吸引了更廣泛的觀眾群。
新生代導演崛起： 許多新銳導演帶著新穎的敘事手法和題材，為國片注入活水。他們更貼近當代年輕人的生活經驗，也勇於挑戰禁忌議題。
國際合拍與OTT平台： 隨著國際影視合作日益頻繁，國片也越來越常與其他國家合拍，資金和團隊都更加國際化。同時，Netflix、Disney+等OTT串流平台的興起，也為國片提供了新的發行管道和曝光機會，甚至催生了許多為串流平台量身打造的台劇或電影。這使得「國片」的定義再次被拓展，它可能不再是單純的本土製作，而是跨國合作的結晶，但只要其核心精神與文化連結仍在，我們仍會視之為國片。

說真的，走到今天，國片就像一個豐富的大熔爐，藝術片和商業片都能找到自己的位置，傳統與創新並存。這也讓國片的定義更加活潑且具彈性了啦！

支撐國片發展的核心元素：是什麼讓國片持續發光發熱？

國片走到今天這一步，絕不是憑空而來的。它背後有許多默默耕耘的力量，才讓它能夠在有限的資源下，一次又一次地站起來，甚至在國際舞台上發光發熱。這些核心元素，是我們理解國片「是什麼」不可或缺的一部分。

政府政策與補助：國家隊的支持力量

在台灣，電影產業相對小眾，要面對國際大片的競爭，政府的支持真的是非常關鍵。文化部影視及流行音樂產業局（原新聞局電影處、影視局）扮演著非常重要的角色，它就像是國片的大靠山。

各項輔導金與補助： 從劇本開發、影片製作、行銷宣傳到國際參展，政府都設有各種名目的輔導金和補助案。這些經費對於獨立製片和新銳導演來說，簡直是雪中送炭，讓他們有機會將創意付諸實踐。像《孤味》、《當男人戀愛時》等近年票房佳績的國片，都曾獲得過文化部的輔導金。
國家電影及視聽文化中心： 這個單位負責典藏、修復台灣珍貴的電影資產，推廣電影文化，並舉辦各類影展活動。它不僅是國片歷史的守護者，也是連結過去與現在、保存文化根脈的重要機構。
產業發展與人才培育： 政府也透過相關計畫，鼓勵電影產業鏈的發展，例如特效、後期製作等，並支持電影學院和相關科系的教學，培育未來的人才。

老實說，沒有這些政府資源的投入，很多國片可能根本就沒有機會問世。這是國片能在困境中求生的重要支柱。

創作者的堅持與創新：電影人的熱血與才華

一部電影的靈魂，最終還是來自於那些充滿熱情、才華洋溢的電影創作者們。他們的堅持與創新，是國片最核心的動力。

題材突破與敘事實驗： 台灣的導演、編劇們不斷挑戰各種題材，從社會寫實、歷史史詩、青春愛情，到驚悚懸疑、科幻動作，類型越來越多元。他們也勇於嘗試不同的敘事手法，不墨守成規，為國片帶來了更多可能性。
藝術家精神的傳承： 從台灣新電影時期的大師們開始，國片就帶有一種不向商業妥協、追求藝術本質的精神。這種精神激勵著一代又一代的電影人，即使面對市場壓力，也努力在商業與藝術之間找到平衡點。
在地關懷與人文視角： 許多國片創作者都對台灣這片土地懷抱著深厚的情感，他們的鏡頭總能捕捉到最真摯的人性，最細膩的情感，以及最貼近台灣社會脈動的議題。這種「在地」的關懷，讓國片充滿了生命力。

不瞞您說，每次看到那些導演、製片為了拍出一部好作品而焚膏繼晷，那種熱情真的會讓人覺得「揪感心」。他們的努力，才是國片最珍貴的資產。

在地文化的養分：台灣的獨特故事與風貌

台灣多元的歷史背景、豐富的族群文化、獨特的地理環境和社會變遷，都是國片取之不盡、用之不竭的創作養分。

多元的歷史切面： 從原住民族的傳說、荷蘭西班牙的殖民、清朝的開墾、日本的統治，到國民政府遷台，以及戒嚴與解嚴，台灣的歷史充滿了戲劇性，提供了大量動人的故事題材。
族群融合的色彩： 閩南、客家、原住民族、外省族群、新住民，不同族群的語言、習俗、飲食文化交織融合，形成了台灣獨特的社會風貌，也為電影創作提供了豐富的角色和情節。
社會變遷與議題反思： 台灣社會從威權走向民主，從農業社會走向工業再到資訊社會，經歷了無數次的變革。國片經常會捕捉這些變革中的人情冷暖、價值衝突，進而引發觀眾對社會議題的思考。

我個人覺得啦，國片之所以「有味道」，就是因為它很「台灣」。那些只有在台灣才能看到、聽到、感受到的東西，被電影人巧妙地融入影像之中，讓它變得獨一無二。

觀眾的支持與認同：凝聚共識的力量

電影作為一種大眾藝術，最終還是需要觀眾的肯定和支持。台灣觀眾對國片的態度，也直接影響著國片的發展。

「進戲院看國片」的社會氛圍： 雖然好萊塢大片強勢，但台灣觀眾對於國片還是有一種特殊的情感。當一部國片口碑爆棚時，很容易就會形成一股「挺國片」的風潮，大家呼朋引伴進戲院支持。這種集體支持的力量，對國片的票房和士氣都非常重要。
對本土故事的共鳴： 台灣觀眾往往更能理解國片中的台詞、文化符號、歷史背景和人際關係，因此在觀影時更容易產生情感共鳴。這種共鳴是國片最難能可貴的優勢。
社群媒體的推波助瀾： 現代社會，社群媒體的傳播力非常驚人。一部好的國片，很容易在臉書、IG、PTT上被熱烈討論、分享，進而擴大影響力，吸引更多人關注。

說真的，觀眾的支持就是國片最大的動力。當我們看到一部國片票房大賣，或者在國際影展上得獎，那種「台灣之光」的感覺，真的會讓大家與有榮焉啊！

國片面臨的挑戰與突圍：在夾縫中求生存的智慧

儘管有這麼多內外部的力量支持，國片要發展起來，其實還是有很多「眉眉角角」和困難要克服的啦。畢竟市場就這麼大，競爭又那麼激烈，如何在夾縫中找到生機，真的是一大考驗。

資金：規模與國際市場的巨大落差

這大概是所有國片創作者心裡最痛的一點了。

預算規模受限： 台灣電影的製作預算，跟好萊塢動輒上億美金的規模相比，簡直是小巫見大巫。就連跟周邊的韓國、中國大陸比起來，也常常顯得捉襟見肘。這導致國片在拍攝大場景、運用高科技特效等方面，很難與國際大片匹敵。
投資回收風險高： 由於市場較小，國片的投資回收風險相對較高，也讓許多潛在的投資者卻步。即使有政府補助，還是很難完全填補資金缺口。

沒辦法，資金永遠是電影產業最現實的問題。巧婦難為無米之炊，這句話在國片圈真是特別有感觸。

市場：好萊塢與華語區影視的夾擊

台灣電影市場長期以來都受到好萊塢電影的強烈衝擊。那些預算高、明星多、宣傳力道又大的美國大片，幾乎佔據了大部分的院線空間和觀眾目光。近年來，中國大陸和韓國的影視作品也來勢洶洶，它們同樣擁有龐大的市場和資本，對國片形成了多重夾擊。

院線排片壓力： 商業院線為了營利，往往會優先選擇票房潛力大的好萊塢大片，留給國片的排片空間和檔期就相對有限。
觀眾選擇多樣： 現在的觀眾選擇太多了，除了電影院，還有各種OTT平台，來自世界各地的影集、電影隨點隨看，國片要如何脫穎而出，真的是一大挑戰。

真的，要在這樣的環境下生存，國片必須找到自己的藍海策略，不能跟人家硬碰硬。

人才：流失與培育的困境

人才問題也是國片產業長期的隱憂。由於產業規模不大，機會相對有限，薪資水平也難與國際接軌，導致許多優秀的電影人才外流，選擇到更大的市場發展。

青黃不接： 雖然近年有許多新銳導演嶄露頭角，但整體而言，中生代和資深人才的斷層、流失，仍然是一個值得關注的問題。
專業分工不足： 相較於好萊塢成熟的電影工業體系，台灣在特效、音效、美術等專業領域的專精人才和團隊相對較少，有時候一部片從頭到尾都要靠少數人「一條龍」完成，品質穩定性就可能受到影響。

老實說，留住人才、培育新血，是國片能否永續發展的關鍵。畢竟，電影最終還是「人」拍出來的嘛。

突圍之道：在挑戰中找到生機

儘管挑戰重重，國片也沒有因此放棄，反而積極尋找各種突圍的策略。這也是國片能夠持續發光發熱的重要原因。

類型片發展與市場區隔： 國片不再只是拍「文藝片」，而是更積極地發展商業類型片，例如恐怖片、喜劇片、愛情片、犯罪片等，試圖擴大觀眾群。同時，也努力找出屬於台灣獨特的類型片風格，例如融合在地文化元素的恐怖片或黑色喜劇。
國際合拍與引進外資： 透過與國際團隊合作，不僅可以引進更多資金，也能學習到更先進的製作技術和國際視野。這也是拓展國片市場的重要途徑。
OTT串流平台合作： Netflix、HBO GO等串流平台的興起，為國片提供了新的內容製作與發行模式。許多台灣原創影集和電影，透過這些平台走向國際，讓更多人看到台灣的故事。
深度在地化與文化認同： 與好萊塢大片相比，國片最大的優勢就是「本土性」。更深入地挖掘台灣特有的文化、歷史和社會議題，講述只有台灣人才能講好的故事，反而能激發觀眾的共鳴和支持，形成獨特的市場區隔。
影展策略與口碑行銷： 善用國際影展作為行銷平台，提高國片的國際能見度。在國內，則透過社群媒體、口碑傳播，讓好電影自然發酵，吸引更多觀眾。

我覺得，台灣電影人真的很韌性啦！就算資源不多，還是能想出各種辦法去把片拍好、把故事講好，這就是國片最迷人的地方。

我的觀點：國片不只是一部電影，更是一面鏡子

說了這麼多，其實我個人認為，「國片是什麼」這個問題，最終會回到一種更深層次的文化認同。它不只是一連串製作要素的總和，更是一面鏡子，映照著台灣這片土地上的人們，他們的生活樣貌、內心掙扎、喜怒哀樂，以及對未來的期盼。

當我們看一部國片時，我們不只是在看一場戲，我們更是在看見自己。那些電影中的場景，可能是我們熟悉的街道；那些電影中的對白，可能是我們日常會說的語言；那些電影中的情感，可能是我們曾經歷過的掙扎。它讓我們在銀幕上，看到了台灣社會的縮影，感受到了屬於這片土地獨特的「氣味」。

國片，它承載著我們的集體記憶，記錄著台灣社會的變遷，也傳遞著台灣人獨有的價值觀和生命哲學。它可能讓你笑到肚子痛，可能讓你哭到泣不成聲，也可能讓你思考起社會的深層問題。但無論如何，它總能以一種特殊的方式，觸動你身為台灣人的那份情感。

所以，對我來說，國片就是一種持續探索「我是誰」的過程。它不斷地在叩問、在回答、在呈現——究竟什麼是台灣？什麼是台灣人？透過一部部國片，我們彷彿更能拼湊出這個問題的答案，也更能凝聚起那份對家鄉的歸屬感和認同感。這份力量，是好萊塢大片給不了，也是任何外來電影都無法取代的。

當你下次再問：「這部算國片嗎？」或許你可以想想，它有沒有讓你感受到那股「台灣味」？它有沒有讓你更了解這塊土地和這裡的人？如果答案是肯定的，那麼，它就是一部貨真價實的國片。

常見相關問題 (FAQs)

看完上面這麼多，相信你對國片的定義和發展已經有更深入的了解了。不過，關於國片，大家可能還有一些「撇步」想知道，下面我挑幾個常見的問題來為大家解惑吧！

Q1: 合拍片算是國片嗎？

這是一個非常好的問題，也是目前全球電影產業國際化趨勢下，最常遇到的模糊地帶！

答案是：不一定，要看具體情況判斷，通常會依據主導權、主要資金比例和創作核心來決定。

所謂的「合拍片」，通常是指兩個或多個國家的製作公司共同出資、共同製作的電影。在台灣，文化部針對合拍片也有相關的輔導金申請規範，會對合作夥伴、資金比例、台灣工作人員比例等設有條件。如果一部合拍片符合這些規範，被官方認定為「台灣合拍片」，那它在某種程度上就是國片的一種形式。

但是，在廣義的文化認同層面，我們在判斷一部合拍片是否為「國片」時，會更在意：

主創團隊的主導性： 導演、編劇是否以台灣人為主？台灣團隊是否擁有主要的創意決策權？
故事的核心精神： 電影講述的是否是屬於台灣的故事？或者故事雖然發生在多個地方，但台灣的文化元素或視角是否在其中佔有重要地位？
資金與發行比重： 雖然是合拍，但台灣的資金投入和發行話語權是否足夠強勢？

舉例來說，如果一部電影雖然有來自法國的資金，但導演是台灣人，故事講述的也是台灣在地生活，主要演員也是台灣面孔，那它肯定會被台灣觀眾視為國片。反之，如果台灣公司只是出錢，但主創、故事和主要市場都在國外，那它對台灣觀眾來說，可能就比較像是一部「參與投資的國際製作」而非道地的國片了。所以，這真的是一個需要細膩判斷的問題，沒有絕對的對錯。

Q2: 講台語或原住民族語的電影才算國片嗎？

當然不是這麼絕對啦！

語言確實是國片非常重要的文化元素之一，能夠加強電影的在地感和真實性，但它絕非判斷國片的唯一標準。

台灣社會是個多語言的社會，華語（國語）、台語、客語、原住民族語都是這片土地上真實存在的語言。一部電影只要它在故事內容、核心精神、製作團隊、資金來源等方面符合「國片」的定義，即便它主要使用華語（國語），甚至有部分英語對白，它依然可以是貨真價實的國片。

像是早期的台灣新電影，許多經典作品都是以華語發音，但它們深刻地描繪了台灣社會的變遷與人民的心理狀態，至今仍被視為國片的里程碑。近年來，也有許多成功的國片以華語為主，但仍然飽含著濃厚的台灣風味。

重要的是，這部電影是否能透過語言（無論是哪種語言），傳達出屬於台灣的生命經驗和文化內涵。 有時候，導演巧妙地運用台語或原住民族語，是為了更真實地還原角色的生活背景，讓觀眾感受到強烈的「台灣味」，這當然是很棒的。但如果一部電影雖然講台語，內容卻是空洞的商業片，那它對國片文化的貢獻可能就不如一部深具內涵的華語國片了。所以，不要單看語言，要看整體脈絡喔！

Q3: 國片一定要有台灣明星嗎？

這個問題嘛，答案是：不必要，但有台灣明星確實能增加觀眾的親近感和支持度。

從嚴格的定義來說，國片並非要求所有主要演員都必須是台灣籍。許多國片為了劇情需要、角色設定，或是為了拓展國際市場，也會邀請外籍演員參與演出。甚至有些國際合拍片，會因為資金或市場考量，找來在其他國家較有知名度的演員擔綱主角。

例如，有些描寫歷史事件的國片，為了重現當年的場景，可能會找來日本或歐美演員飾演特定的角色。只要整體製作團隊、故事核心和資金來源符合國片的定義，這些電影依然被視為國片。

然而，從觀眾情感層面來看，台灣觀眾對於自己熟悉的面孔，往往會感到更加親切，也更容易產生共鳴。當看到台灣演員在電影中發光發熱，那種「與有榮焉」的感覺，也會激發大家進戲院支持國片的熱情。許多票房大賣的國片，確實都少不了受歡迎的台灣演員加持。所以，雖然不是硬性規定，但台灣明星的存在，對於國片的市場推廣和觀眾連結，確實有著不小的幫助。

Q4: 為什麼有些國片拍得很文藝，有些卻很商業？

這就好像在問，為什麼有些餐廳賣小吃，有些卻是高級法式料理？其實道理是相通的，這是台灣電影產業多元發展的必然結果，反映了不同的創作目的、市場策略和觀眾需求。

早期的台灣電影，確實有很長一段時間以「文藝片」或「寫實片」為主，特別是台灣新電影時期，導演們更專注於藝術性、社會關懷和個人表達。這些電影通常節奏緩慢、充滿象徵意義，在國際影展上備受肯定，但在商業票房上往往表現平平。

然而，隨著市場環境的變化和產業發展的需求，國片逐漸意識到，不能只走「曲高和寡」的藝術路線。為了吸引更廣泛的觀眾，獲取更多票房收入，進而讓產業鏈能持續運轉，發展「商業類型片」就成了一個重要的方向。

商業片： 通常會著重於更明確的劇情走向、更快速的敘事節奏、更直接的情感表達，並大量運用明星、特效和行銷宣傳。它的目標是吸引大量觀眾進戲院，創造票房收益。例如青春愛情片《那些年，我們一起追的女孩》、喜劇片《總舖師》、恐怖片《紅衣小女孩》等，都是很成功的商業國片。
文藝片： 則更注重導演的個人風格、對人性的深度探索、對社會議題的深刻反思，以及更具實驗性的影像語言。它可能不追求高票房，但希望能觸動觀眾內心深處，並在影展上獲得藝術性的認可。例如蔡明亮的電影，就屬於非常藝術性的作品。

事實上，一個健康的電影產業，需要商業片來帶動市場活絡，也需要文藝片來提升藝術層次和文化深度。兩者並非互相排斥，而是相輔相成。台灣國片能在這兩種風格之間自由切換甚至融合，其實也代表了它在內容創作上越來越成熟和多元。所以，無論是「揪感心」的商業片，還是「很有深度」的文藝片，只要是好作品，都值得我們去支持啦！

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